1. Au milieu des années 90, Aymeric au parcours jusque-là plutôt chaotique, rencontre par hasard son ancienne collègue Florence enceinte de six mois. Ils commencent à se fréquenter et quand Jim nait, Aymeric est à ses côtés. Il l’est encore quand sept ans plus tard le père biologique de Jim fait sa réapparition bouleversant l’équilibre familial et questionnant le rôle des uns et des autres dans la vie du petit garçon.
Adapté du roman éponyme de Pierric Bailly, le film des frères Larrieu est d’une grande beauté, et pas seulement parce que les paysages du Jura dans lequel il se déroule sont magnifiques. « Le roman de Jim » est, en effet, également beau par la délicatesse qui s’en dégage de la première à la dernière minute (superbe scène finale). Chaque personnage touche (qu’aurait-on fait à leur place ?) avec une mention particulière pour le rôle d’Aymeric formidablement endossé par Karim Leklou, désarmant de naturel et d’une tendresse à faire fondre n’importe qui. « Le roman de Jim » est un film bouleversant, mais pas plombant pour autant, qui explore avec une grande justesse une relation père-fils qui va bien au-delà des liens du sang.
2. Thibault est un chef d’orchestre de renommée mondiale qui voyage à travers le monde jusqu’au jour où la maladie le rattrape. Une greffe de moëlle d’un membre de sa famille pourrait le sauver. C’est dans ces circonstances que Thibault apprend qu’il a été adopté et qu’il a un frère, Jimmy, qui est employé dans une cantine scolaire. En apparence, tout les sépare, sauf l’amour de la musique puisque Jimmy joue du trombone dans une fanfare. Cette passion commune sera-t-elle toutefois suffisante pour rapprocher deux frères qui ont un connu un destin si différent depuis l’enfance ?
Réalisateur du déjà excellent « Un triomphe » en 2021, qui n’a pas connu le succès qu’il méritait en raison de la désertion des salles suite au Covid, Emmanuel Courcol récidive avec « En fanfare ». Son dernier long-métrage mélange à nouveau avec bonheur la comédie (on rit souvent de bon cœur), les émotions (les yeux sont parfois embués) et un choc des cultures que ce soit sur le plan sociétal ou musical. Porté par un formidable duo d’acteurs (Benjamin Lavernhe et Pierre Lottin) qui donne toute sa crédibilité à cette histoire de fraternité contrariée et par un récit rythmé qui va à l’essentiel en évitant de trop tirer sur la corde sensible.
3. Souleymane pédale clandestinement, et en étant exploité, dans les rues de Paris pour livrer des repas. Dans deux jours, il doit passer son entretien de demandeur d’asile. S’il est reconnu comme tel, alors il pourra obtenir les papiers qui lui permettront de séjourner en France et d’y travailler légalement. Pour mettre toutes les chances de son côté, il prépare cette entrevue en tentant d’apprendre par cœur, et avec difficulté, une histoire qui n’est pas la sienne.
Porté par un acteur non-professionnel (comme presque toute la distribution) dont la performance exceptionnelle lui a valu un prix d’interprétation à Cannes, le film suit, caméra à l’épaule et dans un rythme haletant qui épouse les folles courses à vélo des livreurs, le destin de Souleymane qui va se jouer dans 48 heures. Ces deux jours et deux nuits qui précèdent cette échéance sont un condensé de ce que vit Souleymane au quotidien dans un Paris où la misère des uns exploite celle des autres. C’est saisissant, au plus près de la réalité, sans sensiblerie et profondément humain. La dernière scène est terriblement bouleversante. Il y a des films qui vous laissent KO à la fin de leur projection et « L’Histoire de Souleymane » appartient à cette catégorie.
4. Pour Iman, sa promotion en tant que juge d’instruction au tribunal révolutionnaire de Téhéran est l’aboutissement de 20 ans de carrière au service du régime. Il va enfin pouvoir améliorer le train de vie de sa femme et de ses deux filles, l’une adolescente, l’autre majeure. Mais à peine nommé, un immense mouvement de protestation secoue le pays. Dépassé par l’ampleur des événements, la justice devient expéditive au grand damne d’Iman qui décide malgré tout de s’y conformer. Chez lui, la révolution gronde également rendant Iman de plus en plus méfiant à l’égard de sa femme et de ses filles.
Prix spécial du Jura au Festival de Cannes 2024, « Les Graines du figuier sauvage » mérite amplement cette récompense. Le film transpose de manière brillante, avec un seul (petit) bémol sur sa longueur (2h45), les affres du régime iranien au sein d’une famille confrontée à un mari et à un père qui se sentant menacé va reproduire auprès des siens les méthodes utilisées par la dictature auquel il s’est soumis. Film hautement politique, incrusté de courtes séquences tournées avec des portables au moment des manifestations du mouvement « Femme, vie, liberté » à l’automne 2022, « Les Graines du figuier sauvage » entraîne l’audience dans une spirale infernale avec une dernière heure où la tension est à son comble grâce à une mise en scène formidablement anxiogène et une distribution parfaite.
5. Adi, 17 ans, passe l’été dans son village natal niché dans le delta du Danube. Un soir, il est agressé dans la rue. Une plainte est déposée. L’instruction de cette dernière va petit à petit faire passer Adi de victime à coupable aux yeux de ses parents qui n’acceptent pas son orientation sexuelle et d’une société, encore fortement imprégnée par la religion, qui privilégie la protection d’agresseurs dont le père a une situation influente dans la région.
La Queer Palm de Cannes est un grand film non seulement d’un point de vue cinématographique (mise en scène subtile, photographie lumineuse en opposition à une histoire sombre, distribution convaincante), mais également par ce qu’il raconte : une homophobie étatique et religieuse qui fait des ravages dans le cercle familial. C’est poignant, parfois irrespirable malgré la beauté du lieu où se déroule l’action et très questionnant sur l’amour parental. Un film coup de poing que l’on n’oublie pas une fois le générique de fin terminé !
6. Suite au décès de son ancien patron, Jérémie revient dans son village d’enfance pour l’enterrement. Au lieu de rentrer chez lui après la cérémonie, il s’installe chez Martine, la veuve. Il occupe la chambre de Vincent, le fils, avec lequel Jérémie a été autrefois ami et qui ne voit pas d’un très bon œil la présence de Jérémie : il est persuadé que celui-ci veut séduire sa mère. Les craintes de Vincent ajoutées à un voisin qui entretient une relation particulière avec Jérémie et un abbé aux intentions peu claires vont faire que le séjour du jeune homme va prendre une tournure inattendue.
Comédie tragi-comique aux allures de thriller provençal, le dernier film d’Alain Guiraudie a comme moteur le désir au sens large. Il prend des formes différentes et surprenantes avec comme point commun la tension qui règne entre des personnages qui se tournent autour, se rapprochent, s’éloignent ou s’affrontent. Ce ballet est formidablement joué, mis en scène et photographié dans des magnifiques décors automnaux. Le film est par moment franchement jouissif lorsqu’il flirte avec la morale, les codes de la sexualité et le second degré. A la fois drôle, noir et provocateur, « Miséricorde » ravira les fans d’un cinéma qui sort des sentiers battus tout en gardant son ancrage dans une certaine réalité.
7. Prague, 1938. Alors que la ville est sur le point de tomber aux mains des nazis, un jeune banquier anglais va tout mettre en œuvre, avec l’aide de personnes qui sont sur place et d’autres, dont sa mère, qui sont à Londres, pour sauver des centaines d’enfants, pour la plupart juifs, promis à une mort certaine. N’écoutant que son courage et sa détermination, Nicolas Winton va organiser des convois vers l’Angleterre où 669 enfants trouveront refuge.
Ce n’est qu’en 1988 que l’action héroïque de Nicolas Winton fut connue du grand public grâce à une émission de télévision. « Une vie » fait des aller et retour entre ces deux époques à l’aide de nombreux flashbacks. Si l’on peut reprocher au premier long-métrage de James Hawes d’être un peu trop classique dans sa forme, par contre on saluera la grande humanité et l’émotion, impossible de retenir ses larmes, qui s’en dégagent. Porté par une formidable distribution, dont Anthony Hopkins toujours aussi excellent, « Une vie » est un film, malgré son sujet difficile, positivement bouleversant car il montre que l’être humain peut aussi être capable du meilleur.
8. Justin est désigné comme juré n°2 dans le procès d’un homme qui est accusé d’avoir tué sa petite amie. Quand l’accusation décrit les circonstances présumées du meurtre de la jeune femme, Justin découvre qu’il pourrait bien être à l’origine de cet acte criminel. Il se retrouve face à un dilemme moral entre se protéger ou dévoiler ce qu’il sait au risque de se retrouver à son tour dans le rôle de l’accusé.
Le 42ème et dernier film de Clint Eastwood, au sens propre et figuré, est une indéniable réussite grâce à un excellent scénario qui tient en haleine du début à la fin, une distribution convaincante et une mise en scène qui en allant droit au but renforce la tension qui petit à petit dévore ce jeune homme qui se trouve confronté une nouvelle fois à lui-même après avoir surmonté un passé compliqué. Mais au-delà de ce cas individuel et de la question que l’on se pose inévitablement en visionnant le film « qu’aurais-je fait à sa place ? », c’est la justice dans son ensemble que « Juré n°2 » interroge avec ses a priori, que ce soit au niveau des professionnels ou du jury qui est composé d’hommes et de femmes dont le parcours personnel influence forcément leur jugement.
9. Pierre, jeune trentenaire et fleuriste, est à la croisée des chemins aussi bien sur le plan professionnel que privé. C’est dans ce contexte que débarque sa mère, Judith, après deux ans sans se voir. Cette dernière s’est échappée de la clinique où elle séjourne en raison de ses troubles psychiques. Pierre n’a dès lors qu’une seule idée, ramener au plus vite sa mère d’où elle vient et reprendre le cours normal de sa vie. Mais le chemin qui doit les conduire à la clinique sera loin d’être un fleuve tranquille.
Si l’on peut reprocher au film un côté un peu trop prévisible quant à son issue, on notera que ce petit bémol n’enlève en rien le fait que le scénario réserve des scènes surprenantes dans ce qui s’apparente à un « road movie ». Profondément humain, touchant et remarquablement interprété par Agnès Jaoui et William Lebghill qui forme un duo formidable, « La vie de ma mère » émeut entre rires et larmes sans jamais en faire trop, ni dans un sens ni dans l’autre.
10. Julien est professeur de français dans un collège de banlieue. Jeune et dynamique, il a une approche pédagogique qui cherche à créer du lien entre lui et ses élèves. Il n’hésite pas à en prendre quelques-uns sous son aile, ce qui occasionne des jalousies : Julien est accusé de harcèlement par une élève et menacé de mort par le frère de cette dernière. Pris dans un engrenage infernal, qui va également avoir comme conséquence de révéler son homosexualité, et devant faire face à une direction qui veut éviter de faire des vagues, Julien pourra-t-il se sortir de cette situation ?
Inspiré d’un épisode que le réalisateur Teddy Lussi-Modeste a lui-même connu quand il était enseignant, « Pas de vagues » est un film sous haute tension qui décrit avec précision une mécanique qui s’emballe sans que rien ne semble pouvoir l’arrêter, à commencer par une administration bien peu soutenante. Porté par un François Civil qui exprime à merveille toutes les émotions vécues par son personnage et de jeunes actrices et acteurs formidables, « Pas de vagues », grâce également à une mise en scène très réaliste, sonne juste du début à la fin avec une ultime scène d’une folle intensité.
11. Eté 1992. Un endroit perdu dans l’Est de la France, des hauts fourneaux qui ne brûlent plus. Anthony, 14 ans, s’ennuie ferme avec son cousin. Ils décident d’aller se baigner dans un lac tout proche. C’est là qu’Anthony rencontre Stéphanie. Il a un coup de foudre pour elle. A tel point qu’il emprunte secrètement la moto de son père, à laquelle ce dernier tient comme à la prunelle de ses yeux, pour se rendre à une fête où il espère la retrouver. A la fin de la soirée, au moment de rentrer chez lui, Anthony découvre que la moto a disparu. Sa vie bascule.
Adapté du roman éponyme de Nicolas Mathieu, prix Goncourt 2018, « Les enfants après eux » racontent l’histoire d’Anthony au cours de quatre étés (1992, 1994, 1996, et 1998) qui le verront passer de l’adolescence à l’âge adulte avec comme fil rouge son histoire d’amour avec Stéphanie, la relation avec son père ou encore ses démêlés avec Hacine. Le film donne moins d’importance que le livre à l’aspect sociologique. Il privilégie le côté romanesque, dans le bon sens du terme, et le récit d’apprentissage en s’appuyant sur son excellente distribution en général et la performance de Paul Kircher en particulier (révélé en 2023 dans le « Le règne animal ») qui est juste et bouleversant de la première à la dernière minute.
12. Marseille. 1815. Victime d’un complot dont la jalousie est le moteur, Edmond Dantès, 22 ans, est arrêté le jour de son mariage. Il est détenu dans d’horribles conditions au château d’If. Pendant son incarcération, il fait la connaissance de l’abbé Faria qui va lui révéler un secret qui lui permettra de devenir immensément riche après son évasion 14 ans plus tard. Sous l’identité du Comte de Monte-Cristo, il va alors patiemment élaborer un plan pour se venger des trois hommes qui l’ont trahi.
Cette nouvelle adaptation du célèbre roman d’Alexandre Dumas ne lésine pas sur les moyens puisque le budget se monte à 43 millions d’euros. Et ça se voit : les décors, la plupart naturels, les costumes, le maquillage et la photographie sont un régal pour l’œil. Quant à la distribution, elle est excellente. Pierre Niney, particulièrement convaincant quand il endosse le rôle du Comte de Monte-Cristo, est entouré d’acteurs et d’actrices qui n’ont rien à lui envier. Quant au film en lui-même, on peut lui reprocher un manque d’émotions tant la machine est bien huilée. Mais pas de quoi bouter son plaisir. En effet, le long-métrage, c’est le cas de le dire mais les trois heures passent très vite grâce à de multiples rebondissements, met fort bien en valeur le génie romanesque d’Alexandre Dumas.
13. Le commandant d’Auschwitz, Rudolph Höss, et sa femme Hedwig s’efforcent de construire une vie de rêve pour leur famille dans une maison avec jardin alors que de l’autre côté de la route se dresse le plus terrifiant camp de la mort de l’Histoire de l’humanité.
« La Zône d’intérêt », expression utilisée par les nazis pour décrire le périmètre de 40 kilomètres carrés entourant le camp de concentration d’Auschwitz, a obtenu le Grand Prix du Festival de Cannes 2023. Tourné sur place, le film raconte l’horreur sans rien, ou presque, montrer. Pour y parvenir, le réalisateur propose au spectateur une expérience sensorielle. Elle s’appuie non seulement sur le contraste entre la villa des Höss, son jardin, sa serre, sa piscine, la rivière à proximité, le bonheur familial et le mirador et les barbelés que l’on voit juste en face, mais également sur les sons qui sont omniprésents (aboiements, cris, pleurs, coups de fusil, phrases humiliantes des nazis) et convoquent irrémédiablement chez le spectateur des images qui sont pourtant hors-champ à l’exception de la fumée et des flammes qui s’échappent des cheminées. Cette mise en scène virtuose montre à quel point l’horreur a pu être banalisée par les nazis.
14. Dans une Amérique qui fait face à une sécession de deux de ses Etats, Lee, photographe de guerre renommée, et Joel, journaliste, ont l'intention de se rendre à Washington D.C. pour interviewer et photographier le président avant que la ville ne tombe aux mains des insurgés. Accompagnés de Sammy, le mentor de Lee, et de Jessie, jeune photographe dont Lee est l’idole, ils vont entreprendre en voiture un voyage périlleux de 2000 km et se confronter à toute l’horreur de la guerre.
« Civil War » n’est pas un « blockbuster » comme un autre en raison de son hyperréalisme qui se traduit par un début qui, certes, manque un peu de rythme, mais c’est pour mieux cerner les personnages principaux et les enjeux qui les attendent au cours de leur périple. Une fois sur la route, les événements vont alors s’enchaîner à un tempo infernal, la dernière demi-heure est à couper le souffle, avec toujours le souci du réalisme. Et avec comme conséquence que certaines scènes sont dures, à l’image de ce qu’est la guerre. Ni plus. Ni moins. Avant tout célébration d’une profession, reporter de guerre, « Civil War » renvoie, avec une grande virtuosité cinématographique, une image d’un monde qui ressemble, hélas, furieusement au nôtre.
15. Les familles Dalton et Field se rencontrent en vacances en Italie. Les premiers ont une fille de 12 ans et les seconds un fils du même âge qui ne peut pas parler en raison d’une langue atrophiée. Bien que les Dalton soient du genre plutôt coincé et les Field tout le contraire, le courant passe entre eux. De retour en Angleterre, les Field proposent aux Dalton de venir passer un week-end dans leur propriété campagnarde. Ces derniers acceptent. Mais ce séjour qui s’annonçait idyllique va petit à petit se transformer en cauchemar.
Qualifié de film d’horreur, « Speak No Evil » est avant tout d’un long-métrage au suspense haletant avec seulement deux brèves scènes un brin sanguinolente. A condition de mettre de côté les quelques invraisemblances d’un scénario au demeurant bien construit, « Speak No Evil » ravira le public qui aime ces films dans lequel une atmosphère de plus en plus irrespirable s’installe au fur et à mesure que l’action avance. A ce titre, les trente dernières minutes, tout en évitant l’exagération souvent inhérente à ce genre de film, sont d’une folle intensité avec de multiples rebondissements qui vous clouent sur votre siège.
16. Seydou et Moussa, deux jeunes cousins sénégalais de 16 ans, décident de quitter leur pays pour rejoindre l’Europe où ils espèrent rencontrer le succès et faire fortune. Malgré certaines mises en garde sur les dangers d’un tel voyage et le rêve européen qui n’est que de la poudre aux yeux, Seydou et Moussa se lancent dans l’aventure. Elle va leur réserver de nombreuses épreuves dans lesquelles danger, violence, exploitation, mais aussi humanité vont sans cesse se côtoyer.
Si l’on peut reprocher à « Moi, Capitaine » un côté un peu trop romanesque avec des invraisemblances scénaristiques et des effets de style qui coupent l’élan du récit, il n’en demeure pas moins que le film apporte un regard puissant, captivant et édifiant sur la question de l’immigration. Magnifiquement photographié - les images dans le désert, notamment, sont d’une incroyable beauté - et porté par un jeune acteur épatant, Seydou Sarr, « Moi, Capitaine » parvient malgré son sujet dramatique à émouvoir grâce à l’humanisme qui le traverse du début à la fin.
17. Carla Nowak est enseignante de mathématiques et de gymnastique dans un collège où elle vient d’arriver. Depuis quelques temps, des vols ont lieu à la salle des profs. Des élèves sont soupçonnés, mais l’enquête interne ne donne rien de concret. Carla décide alors de mener ses propres investigations sans savoir qu’elles vont la conduire dans un engrenage dont elle aura toutes les peines à sortir.
Thriller psychologique par excellence, « La salle des profs » emmène constamment le spectateur là où on ne s’y attend pas grâce à un scénario intelligent qui fait constamment douter de la vérité et questionne au passage le racisme, le civisme, la morale ou encore les relations humaines dans un univers clos. Porté par son excellente actrice principale, Leonie Benesch, « La salle des profs », à qui on pourra juste reprocher une fin un peu décevante, est un film efficace, haletant et questionnant qui a connu un grand succès en Allemagne et était nommé dans la catégorie du meilleur film étranger pour les Oscars 2024.
18. Michelle vit une retraire paisible dans une jolie maison de campagne située dans un petit village de Bourgogne. Sa meilleure amie, Marie-Claude, vit non loin d’elle. A la Toussaint, sa fille Valérie, avec laquelle elle entretient des relations tendues, vient lui rendre visite et déposer son fils Lucas pour qu’il passe la semaine de vacances avec sa grand-mère qu’il adore. Mais le repas familial va déclencher des événements en cascade après que Valérie ait été empoisonnée par des champignons cueillis par sa mère…
Comédie dramatique avec une intrigue policière secondaire mais qui en dit long sur les relations entre les personnages, « Quand vient l’automne » est avant tout un film qui, à l’image de son titre, se penche sur le passé qui peut resurgir n’importe quand et avoir des conséquences imprévisibles sur le présent et l’avenir. Magnifiquement photographié et mis en scène, le long-métrage manie avec sensibilité l’humour noir, l’ambiguïté ou encore l’amoralité. Porté par Hélène Vincent et Josiane Balasko qui font preuve d’une grande subtilité dans leur jeu, le film ravira celles et ceux qui aiment les histoires qui sèment le doute dans les esprits, tel un poison.
19. Angie et Pat vivent le parfait amour à Hong Kong depuis plus de trente ans. Elles ont un train de vie plutôt confortable et sont généreuses avec leurs proches. Leur couple est un pilier pour leur entourage familial et amical. Mais lorsque Pat décède subitement, Angie doit faire face à la famille de cette dernière, qui a le droit pour elle et des problèmes financiers, concernant les modalités de l’enterrement, puis de l’héritage.
« All Shall Be Well » (« Tout ira bien » en français), titre aux accents ironiques, a reçu le Teddy Award du meilleur film de fiction à la Berlinale 2024. Filmant le plus souvent ses personnages de près et avec une certaine lenteur, ce qui les rend très touchants grâce aussi à l’excellente interprétation de celles et ceux qui les jouent, le réalisateur brosse avec une grande sensibilité non seulement cette confrontation entre la famille de la défunte et Angie qui pensait en faire partie intégrante, mais également le soutien que cette dernière reçoit de son « autre » famille : celle du cœur. Et si finalement c’était celle-là la « vraie » famille ?
20. Quand le patron de Justine lui demande d’organiser un week-end romantique pour sa bien-aimée avec à la clé un budget conséquent, cette dernière fait appel à son mari et à ses amis pour préparer une excursion en péniche. Le but est que cette croisière coûte bon marché afin que les organisateurs, tous fauchés, empochent le plus d’argent possible. Mais au moment d’embarquer, une surprise de taille va bouleverser les plans de ces agents de voyage amateurs.
A la lecture de ce synopsis, on aura compris que cette « petite vadrouille », clin d’œil voulu à la grande, est une comédie qui met en scène des personnages farfelus dans un décor de cartes postales. Si le film adopte un rythme de croisière lent vers sa destination d’arrivée, il n’en est pas de même dans son action. En effet, les scènes souvent très drôles, entre l’absurde et le comique de répétition, s’enchainent sans que l’on ait le temps de s’ennuyer. Porté par une excellente distribution au sein de laquelle chacun trouve sa place sans en faire trop, « La Petite Vadrouille » divertit fort agréablement.